El baúl de Pandora

Reservado para los que deseen abrir su mente


Deja un comentario

Arte en PDF

El Metropolitan Museum of Art ha puesto a disposición del público general la posibilidad de acceder electrónicamente a un catálogo de hasta 375 libros sobre arte de las más variadas temáticas, para consultarlos online en su página web o descargar en pdf si se prefiere. Excelente iniciativa del museo más grande de EEUU que merecía una entrada en este blog. Aquí tenéis el enlace:

http://www.metmuseum.org/research/metpublications/titles-with-full-text-online?searchtype=F&rpp=12&pg=1


Deja un comentario

El Greco y su apego a la realidad

A pesar de tener mis reticencias acerca de ir a ver la exposición del Greco que se realiza en Toledo este año 2014, conmemorando el 4º centenario de su muerte, y teniendo en cuenta el carácter algo desordenado de la exposición (tarea ardua y difícil de planificar, es cierto, debido a la polefacética labor artística de este autor), sí se debe reconocer la gran labor, no sólo académica, de recoger en la ciudad de acogida (compartiendo ese honor con Venecia y Roma, aunque será Toledo la principal durante más tiempo) de Doménikos Theotokópoulos, gran parte de la totalidad de su obra. Además de reunir en el Museo de Santa Cruz el grueso de su producción artística, se han abierto al público de forma más general espacios, para los cuáles se realizaron originariamente retablos o cuadros (siendo un ejemplo el Convento de Santo Domingo el Antiguo para el cuál se realizó “La Asunción de la Virgen” de 1577 encontrándose esta obra en la actualidad en el Art Institute of Chicago), y espacios reabiertos al público expresamente para esta exposición como es el caso de la capilla de San José siendo la obra “San José y el niño Jesús” la principal pieza de esa iglesia toledana, en proceso de restauración hasta este momento.

La idea de esta entrada no es ni mucho menos realizar un repaso artístico y cronológico de la vida de este gran artista. Simplemente quería transmitir la sensación que me produjeron dos de sus obras, quizás no las más estudiadas ni conocidas por la gente. He de admitir que mis reticencias hacia este autor eran numerosas, basadas quizás en el desconocimiento y en el acercamiento a sus obras en una época de mi vida carente de sensibilidad artística. He de reconocer mi error sin embargo y admitir que estaba profundamente equivocado y que esta exposición me ha abierto los ojos hasta límites desconocidos. Las grandes obras del Grego como “El entierro del Conde de Orgaz” o “Vista de Toledo” han sido de sobra estudiadas y no me voy a detener en ellas. Las dos obras que más me impactaron fueron éstas dos:

El primero de ellos es de 1570 y se titula “El soplón”, siendo la principal característica el uso de la luz y el color con rastros (aunque parece ser que no hubo contacto entre ambos) de esa técnica y estilo artístico que popularizó su contemporáneo Caravaggio: el tenebrismo. El tema central del cuadro se centra en el uso tan inteligente que hace del color para mostrar las variantes de la luz dependiendo del volumen y la posición de la propia figura. El Greco aisla a esta figura individual y consigue una cercanía con el espectador de forma natural e inocente, mediante la luz y la perspectiva baja, denominada “sotto in su”. Actualmente esta obra se encuentre en Nápoles, en el Museo Nazionale di Capodimonte.

El segundo se trata de la “Magdalena penitente” de 1576, localizada actualmente en Budapest, en el Szépmüvészeti Múzeum. Al parecer, los estudios revelan que esta obra fue realizada durante su estancia en Venecia donde conoció a Tiziano. Algunos argumentos para las diferentes dataciones son: el paisaje de lagunas y el recipiente de cristal veneciano del siglo XVI hacen referencia a Venecia; paralelismos con la obra de Tiziano debido a la monumentalidad de la concepción de las figuras como por la posición de la mano derecha (que posteriormente veremos en la obra “Retrato del caballero de la mano en el pecho“, también del Greco), siendo de hecho este cuadro una reinterpretación de la Magdalena penitente realizada por Tiziano en 1561; así como la interpretación sensual de Magdalena, lo que aleja la realización del cuadro fuera de España, donde realizará las figuras de las santas de una forma más recatada, siendo un ejemplo “La Magdalena Penitente” de este mismo autor pero realizada a comienzos de la década de 1580 que muestra un grado de espiritualidad y devoción mayor, más acorde con el espíritu contrarreformista español. La Magdalena del Greco expresa a través de esas facciones delicadas un sentimiento de soledad y desorientación vital, tanto desde el punto de vista espiritual o devocional como desde el terrenal, que es imposible no identificarse con ella en algún momento.

Ambos transmiten una sensación de cotidianidad, cercanía e inocencia, más cercana al mundo terrenal, más cercana a la realidad y a la gente. Esa sensación, al menos para mí, consigue conectar emocionalmente con el espectador y expresar las emociones humanas de una forma tan personal, única en este artista, a través de estas dos obras, quizás no tan conocidas. Gracias a su contemplación me ha permitido valorar de una forma más personal y artística la labor de este gran artista renacentista, subversivo y enfrentado a los cánones de su tiempo, que tuvo que esperar 3 siglos y medio para que su obra, desde el punto de vista psicológico y artístico, conecte de forma plena con el irredentismo emocional del mundo contemporáneo, tan necesitado de esquemas intelectuales y mentales más acordes con el futuro que con el pasado.

Bibliografía

– Wikipedia.

– Scholz-Hänsel, Michael: El Greco. Ed. Taschen. China. 2014.


Deja un comentario

Mariano José de Larra

Hoy quiero compartir con vosotros una de las figuras más importantes de la historia intelectual de este nuestro país, España, que tantos disgustos nos ha dado y nos sigue dando desde tiempos inmemoriales: Mariano José de Larra. No es mi intención hacer aquí, en este poco espacio, un homenaje a su figura (se antoja demasiado poco espacio y uno que merezca la pena redactar necesita de un trabajo muy concienzudo y elaborado), pero si me gustaría compartir con vosotros algunas de sus frases que resumen su ideario y su idiosincrasia cultural e intelectual que, por cierto, es perfectamente extrapolable a la época en la que, por suerte o por desgracia, nos ha tocado vivir.

Imagen extraída de Wikipedia. Esta obra está bajo dominio público después de haber expirado sus derechos.

Este poeta, escritor y periodista de principios del siglo XIX, es principalmente conocido por ser uno de los mayores, sino el mayor de los representantes de la corriente intelectual y artística europea, conocida como Romanticismo, en España en los ámbitos periodístico y literario. Interiorizó hasta tal punto la angustia vital de este movimiento, chocando contra lo que él consideraba la decadencia de la cultura española desde el siglo de Oro hasta su momento, reivindicando lo que los grandes escritores e intelectuales de este país han demandado desde el siglo XVII: el pensamiento crítico, la educación, la formación intelectual y la necesidad de una sensibilidad artística y de un modo de vida acorde con los tiempos que se vivían y no con unas épocas ya pasadas y caducas criticando entre otras cosas el control sobre el pensamiento que sectores, como la Iglesia, aún tenían sobre la sociedad española. Por ello, entre otros motivos, se quitó la vida en 1837 de un disparo, al más puro estilo romántico. Espero que os guste.

<< Cumpla cada español con sus deberes de buen patricio y, en vez de alimentar nuestra inacción con la expresión de desaliento “¡Cosas de España!”, contribuya cada cual a las mejores posibles>>.

<< Amo demasiado a mi patria para ver con indiferencia el estado de atraso en que se halla>>.

<< España que Dios guarde, de sí misma sobre todo >>.

<< Aquí yace media España. Murió de la otra media >>.

<< Ha hecho usted bien en irse a la luna, porque aquí, amigo, nadie se convence, y eso que media España anda todo el día ocupada en convencer a la otra media >>.

<< La libertad no se da, se toma >>.

<< Un pueblo no es verdaderamente libre mientras la libertad no está arraigada en sus costumbres e identificada con ellas >>.

<< Escribir en Madrid es llorar. Es buscar voz sin encontrarla, como en una pesadilla abrumadora y violenta >>.

<< El pueblo no es el Gobierno; es más fuerte que él, cuando éste no comprende y satisface sus necesidades >>.

<< La sociedad es un cambio mutuo de perjuicios recíprocos. Y el gran lazo que la sostiene es, por una incomprensible contradicción, aquello mismo que parecería destinado a disolverla; es decir, el egoísmo >>.

<< Mi vida está destinada a decir lo que otros no quieren oír >>.

Bibliografía

– Miranda de Larra, Jesús: Biografía de un hombre desesperado. Larra. Santillana Ediciones Generales, S.L. 2009. ISBN: 978 – 84 – 03 – 09993 – 7.


4 comentarios

La lucha contra nuestro lado animal

800px-Dr_Jekyll_and_Mr_Hyde_poster

Cartel publicitario del libro de 1885. Vía Wikipedia. Librería del Congreso de los EEUU. Esta obra está bajo dominio público.

Hoy quiero compartir con vosotros una reflexión que me he planteado muchas veces y que ha sido tratada desde los más diversos enfoques y planteamientos teóricos por diferentes ciencias como la Psicología, la Sociología, la Pedagogía, y por Ciencias Sociales como la Historia, el Derecho y la Filosofía: la lucha contra el lado animal del ser humano. Para ser más concretos, porque un análisis completo sería demasiado extenso, me quiero centrar en las representaciones cinematográficas, literarias y todos aquellos elementos que forman parte del imaginario colectivo y que configuran la aceptación social de dichas representaciones.

DoctorJekyllandMis1920

Fotograma de la película “Doctor Jekyll y Mr. Hyde” de 1920. Vía Wikipedia. Esta obra está bajo dominio público.

Para ello tomaremos como punto de partido el relato de Robert Louis Stevenson en su obra, “El extraño caso del doctor Jekyll y el señor Hyde”, publicada en 1886. En ella se describe la historia del Doctor Jekyll que en una investigación para analizar la naturaleza de la conciencia humana (compuesta por el bien y el mal). Según esa hipótesis era posible polarizar y separar ambas partes y para demostrarlo creó una poción y un antídoto que permitía encarnar dicha parte maléfica, permitiendo al mismo tiempo depurar la parte buena. Una vez tomada, Jekyll se convertía en un ser con una fuerza sobrehumana, una astucia, una inteligencia y unos reflejos fuera de la normal además de convertirse en un ser que se abandonaba a los peores y más bajas instintos antisociales. A ese nuevo ser lo llamó Edward Hyde. Inicialmente los efectos de la poción eran temporales y no era necesario antídoto, pero con el tiempo, el doctor Jekyll se abandonaba a lo atractivo de desarrollar otra personalidad que era capaz de hacer todas las cosas que no le estaban permitidas como médico respetado dentro de la sociedad, y el antídoto debía ser usado para acabar con las transformaciones, que llegaron a convertirse en no premeditadas y espontáneas. En ese estado era capaz de realizar las mayores atrocidades y comportamientos antisociales.

Este caso, ha sido catalogado por la psicología como un trastorno psiquiátrico conocido como disociativo de la identidad (anteriormente conocido como trastorno de la personalidad múltiple) consistente en la existencia de dos o más personalidades del individuo, cada una con sus características y sus modos de actuar y desenvolverse con su entorno. Este personaje se ha interpretado como la incapacidad del ser humano para desarrollar su propia personalidad en un entorno y una sociedad delimitadora de las costumbres y de la respetabilidad en el campo de las relaciones sociales. Lo curioso, es que este autor se adelantó 20 años a Freud en su análisis sobre la psique humana y las pulsiones que guían los comportamientos y el inconsciente humano, así como la teorización sobre la personalidad y el “yo” y el “ello”. Otra interpretación va más allá y nos remonta al tradicional conflicto entre las fuerzas del bien y del mal que guían el destino del mundo y de la humanidad, formando parte de todo lo que nos rodea e, incluso, de nosotros mismos, encontrándonos en una lucha permanente por conseguir un equilibrio favorable hacia la parte buena de nuestro yo. A continuación una escena sobre este personaje en la película de 1941:

428px-CC_No_13_Dr_Jekyll_and_Mr_Hyde

Portada del cómic “Dr. Jekyll and Mr. Hyde” de la editorial Classic Comics de 1943. Vía Wikipedia. Esta obra está bajo dominio público.

Esta dicotomía la encontramos también en el popular personaje de cómic conocido como Hulk. En ella, otro científico, Bruce Banner, después de estar expuesto a la radiación Gamma, se convierte, cuando es dominado por la ira, en un ser enorme y gigantesco, un alter ego verde con una mente sencilla y primitiva que contrasta con la inteligencia y brillante intelectual de Bruce Banner (al igual que ocurre con Jekyll y Mr. Hyde). Hasta tal punto se parecen ambos personajes, que la propia compañía que la creó, Marvel y su autor Stan Lee, admitieron haberse inspirado en este personaje literario para crear al de cómic. También Hulk posee poderes especiales como fuerza sobrenatural, increíble resistencia al daño físico, inmortalidad cronológica y una regeneración increíblemente rápida de tejidos entre otros poderes.

hulk-comic

Portada “The incredible Hulk” de la colección Essential. Vol. 2.

Y aquí os dejo otro vídeo de la transformación, en este caso de Bruce Banner en Hulk:

464px-Werwolf

Obra “Werewolf” de 1512, de Lucas Cranach el “Viejo” (1472 – 1553). Vía Wikipedia. Herzogliches Museum Gotha. Esta obra está bajo dominio público.

Sin embargo, esta dicotomía entre el bien y el mal expresada a través de la naturaleza humana y del propio origen del mundo no es contemporánea y podemos encontrar trazas del mismo dentro la mitología de todas las culturas. Por ejemplo, las transformaciones de los licántropos u hombres lobo (tema también ampliamente tratado por el 7º Arte) entronca en parte con el tema del que estamos tratando, ya que en el folclore de algunas culturas, significa reclusión, ser esclavo de tus instintos más básicos y no podían escapar de dicha maldición.

Asímismo, los centauros simbolizaban la dualidad entre el intelecto humano y el instinto animal y algunas veces son representados como salvajes, adúlteros y belicosos y otras veces eran nobles y afables, como Quirón, tutor y educador de héroes como Aquiles o Jasón entre otros.

450px-Florence_statue_hercules_killing_the_centaur

“Hércules matando al Centauro” de Giambologna. Fotógrafo: Frank Fleschner. Plaza de la Siñoría, Florencia, Italia. Vía Wikipedia. Esta obra está bajo una licencia de Creative Commons Attribution 2.0 Generic.

Otro caso que podrías nombrar sería el del Minotauro, aquélla criatura fruto de la unión entre Zeus (transformado en un toro blanco) y la reina cretense Pasifae. Será encerrado en el laberinto de Minos, y simboliza la brutalidad. De hecho, en la obra de la fotografía podemos ver a Hércules, simbolizando en este caso el orden, la civilización y el bien, asesinando al centauro como representante del caos, el mal y el salvajismo animal y del ser humano, al ser una combinación de ambos.

Nótese que dentro de la cultura occidental, el binomio orden – caos, bien – mal ha sido interpretado desde la óptica cristiana cielo – infierno, por lo que muchas de estas interpretaciones de dicho fenómenos presentan reminiscencias y tradiciones en las que salvación, alma y debilidad del ser humano están presentes. Este último punto, relacionado con todo lo anterior se pone de especial manifiesto en la obra “El retrato de Dorian Grey” de Oscar Wilde, en que la naturaleza pecadora, corrupta y mala se pone de manifiesto en el retrato que realizaron a ese personaje y en el que queda representado el pacto realizado con el diablo.

Para concluir podemos decir que la dicotomía bien – mal y su plasmación en la naturaleza humana podría remontarnos a todas las culturas y tiempos de la Historia, con multitud y heterogeneidad de representaciones, por lo que se ha intentado establecer una visión general sobre la plasmación de dichas concepciones en la cultura artística, visual y cinematográfica contemporánea.

Fuentes utilizadas

– Bruce – Mitford, Miranda; Wilkinson, Philip: Signos y símbolos: Guía ilustrada de su origen y significado. Ed. Dorling Kindersley. Madrid. 2008. ISBN: 978 – 1 – 4053 – 2539 – 4.

– Obra colaborativa: El libro de la Filosofía. Ed. Akal. Madrid. 2011.


Deja un comentario

Policleto y su legado

Hoy, y a la vista de la confianza que estáis depositando en nosotros (de lo que estamos enormemente agradecidos) vamos a ampliar nuestros horizontes con la creación de esta nueva sección dedicada al arte.

No debemos olvidar que el arte siempre ha sido la manera en la que el ser humano intentaba codificar y ordenar todos aquellos elementos de la naturaleza del mundo en que vivía y la propia naturaleza humana, para dotarle de una lógica que aportara seguridad y esperanza. Además de ello, ha sido y será el principal medio de representación de los estados de ánimo y de toda aquella superestructura intelectual que configura las sociedades a lo largo de la Historia, ya que como dijo Marc Chagall:

“El arte es sobre todo un estado del alma”.

Por todo ello, ¡Bienvenidos al Arte!

Esta primera entrega la comenzaremos con uno de los artistas que permitió la configuración del ideal clásico griego de belleza tal y como lo conocemos y el que ha perdurado hasta nosotros: Policleto.

Policleto de Argos, nació en dicha ciudad hacia el 490 murió hacia el 420 a.C. Fue uno de los principales escultores griegos del siglo V a.C. que se inscriben en la tradición del período artístico conocido como Grecia Clásica que se desarrolla a lo largo de este siglo, junto a otros artistas como Fidias (autor del Partenón de Atenas) y Mirón (autor de la obra “el Discóbolo”).

800px-Athens_Acropolis

Visión de la acrópolis de Atenas, con el Partenón como la principal obra del período artístico conocido como la Grecia Clásica. Vía Wikipedia. Obra bajo licencia Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 Unported.

El principal objetivo de este autor era reproducir un modelo de realidad sin imperfecciones, una visión idealizada de la naturaleza y de la belleza. Adoptó de Pitagóras la creencia en la armonía de números en el universo, por lo que la existencia de una realidad superior basada en proporciones matemáticas era la consecuencia lógica de dicha creencia. En relación con eso, Policleto creó un Canon o tratado sobre las relaciones numéricas y las proporciones y simetría entre las diversas partes del cuerpo humano, las cuales se convierten en el modelo para representar las proporciones ideales de la belleza en la naturaleza. Dicha teoría la plasmó en la obra conocida como “Doríforo” o “Canon”.

600px-Discus_Thrower_Copenhagen

Discóbolo de Mirón, copia de los Jardines Botánicos de Copenhague. Vía Wikipedia. Esta obra está en dominio público. 

300px-Doryphoros_MAN_Napoli_Inv6011

Doríforo de Policleto. Copia romana de época Imperial. Museo Arqueológico de Nápoles. Siglo I a.C. Fotógrafa: Marie – Lan Nguyen. Vía Wikipedia. Esta obra está bajo licencia Creative Commons Attribution 2.5 Generic. 

La obra fue inicialmente realizada en bronce, material bastante utilizado en esta época por su mayor plasticidad y permitía practicar antes de realizarla en mármol, el cual aún no era tan utilizado. Conocemos la obra por copias romanas realizadas en mármol como la de la foto. Es un joven desnudo que porta una lanza (dory) típica de los hoplitas en su mano izquierda. La principal innovación es la posición de las piernas. Mientras que la derecha está soportando todo el peso, la izquierda están en una posición de potencial movimiento, entendido por Policleto como el tiempo cristalizado y congelado, la captación del movimiento en una figura inanimada. Además, la cadera está ligeramente inclinada hacia arriba y sólo un brazo está en tensión, mientras que la cabeza está girada como preparándose para el movimiento. Esta técnica se denomina contrapposto y se empieza a generalizar en la realización de esculturas gracias a artistas como Policleto, y será utilizada posteriormente en los estudios sobre la representación del movimiento en la escultura y la representación de sentimientos y actitudes a través de líneas muy definidas basadas en estudios anatómicos y de la proporción. Introduce así Policleto, una contraposición armónica entre las partes que se equilibran, formando un todo armónico y organizado. Se especula, incluso, que esta obra pudiera ser la representación de alguien real, o la idealización heroica de personajes míticos como Aquiles.

Otra de las obras de gran valor artístico de Policleto, por su adopción de la estructura en aspa es el “Diadúmeno” o “atleta” ciñéndose las cintas en señal de victoria. El autor se preocupó más en esta obra de conseguir la belleza perfecta utilizando el esquema nombrado anteriormente así como una mayor riqueza de movimientos y equilibrio.

Se inicia con Policleto así la época Clásica del Arte Griego, el período más importante para la Historia del Arte Occidental, estableciendo modos, conceptos y técnicas que se usarán como modelo para la representación de la belleza hasta el siglo XIX.

Fuentes utilizadas

– Gómez Cedillo, Adolfo (coord.), Ramírez, Juan Antonio (dir.): Historia del Arte 1. El mundo Antiguo. Alianza Editorial. 2006. Pinto (Madrid).

– Bejor, Giorgio; Castoldi, Marina; Lambrugo, Claudio: Arte greca. Dal decimo al primo secolo a.C. Ed. Mondadori Università. 2008. Roma.

– Honour, F.; Fleming, J.: Historia del Arte. Editorial Reverté, S.A. 1986. Barcelona (España).